PINTURA VI

Proceso y trabajo de mi proyecto

Diagrama pintura VI

 

Qué problemática estoy resolviendo

El deterioro de Valparaíso desde lo profundo que a veces no está a la vista pero que en cualquier momento colapsa

De qué manera lo abordó

Realizando una obra que muestre este deterioro

Estudio de campo

Se hizo un estudio con las noticias desde hace veinte años a la fecha de los desastres producidos en la ciudad .

Datos específicos

En febrero del 2007 producto de una filtración en ductos de gas en mal estado y que ya habían alertado los vecinos a la empresa de gas y no hizo nada.

En ese entonces murieron 4 personas.

 

 

 

 

 

 

En el año 2019 se produjo un derrumbe en el cerro Bellavista por filtración de agua, lo que

ocasionó un ablandamiento del terreno y posterior deslizamiento y derrumbe de un inmueble donde murieron 6 personas.

 

 

 

Cómo lo traduzco

Lo traduzco ocupando tubos de pvc de 110 mm , dando efectos que hagan más realista, como l,a oxidación y las fisuras de los tubos.

 

 

Trabajo final

La obra final puesta verticalmente los tubos, con realismo en su pintura, efectos de oxidación deterioro, problemática que se vive cuando una ciudad envejece desde lo más invisible y que al hacerlo visible con esta obra se da una llamada atención o más bien una alerta.

   ESTO NO ES UNA PIPA

Faulcault analiza la obra “ esto no es una pipa” de Magritte, pintor surrealista. Desde el espacio representacional, es decir de la importancia de la figura en el espacio, y se refiere a las dos versiones de la obra. 

La primera versión, señala esto no es una pipa o es el dibujo de una pipa, o es la representación de una pipa, es la realidad, es o no es?. Esta el dibujo que puede ser una representación o es un dibujo de una pipa o es una pipa dibujada. Lo otro es el texto escrito que dice que no es una pipa, relaciona la obra con caligrama ya que reúne la figura y el texto. El texto y la imagen afirma el uno al  otro,  le da sentido. El texto en sí da sentido por su significado.

Magritte dice que la representación de las cosas no son las cosas en sí misma. 

Segunda versión, la pipa en un recuadro y otra pipa arriba suspendida ,la pipa no esta solo una vez si no que doble. Dos dibujos de una pipa o dos dibujos que no son una pipa.

Magritte mas que un pintor es un pensador, en sus obras  busca darle una lectura filosófica. Le da al público otra manera de ver una obra, cuestionando. Y al poner el texto en la pintura, haciendo una contradicción a su pintura, hace reflexionar que en realidad no es una pipa, si no que su representación. Nos hace cuestionarnos la realidad, la representación y el lenguaje. Esta pipa no se puede rellenar, ni fumar, pues no es una pipa. Y si Magritte hubiese puesto en el cuadro, esto es una pipa, estaría mintiendo.

Magritte pone de manifiesto el abismo qué hay entre  la pintura con la realidad, y expresó alguna vez lo siguiente :su propósito al pintar es hacer visible al pensamiento.

 

 

LA  MUERTE DEL AUTOR.

 Roland Barthes , crítico, teórico literario, semiólogo y filósofo estructuralista francés , quien en el  extracto del texto de Balzac , un texto del siglo pasado, analiza y  se hace la interrogante, quién está detrás de esas palabras, será su autor, y dice que jamás será posible averiguar quién está hablando de una  obra literaria, y la explicación que da Barthes, es que la escritura es la destrucción de toda voz, de todo origen y de toda identidad , es decir la escritura es neutra.

Barthes  hace generar  un recorrido por la histórico de lo que es la figura del autor del ámbito de la sociedad de la escritura, de la cultura , de la historia, hace un análisis de cómo ha ido evolucionando tal figura, entonces lo que hace es hablar del autor en su contexto histórico, porque  opina que el autor es  una figura  moderna producida por nuestra sociedad, él lo piensa en hechos históricos , y  piensa al autor como una consecuencia  de diversos hechos , como el empirismo inglés, el racionalismo francés , la reforma protestante , el capitalismo  o el positivismo , para Barthes el autor es consecuencia de todos estos hechos. Un ejemplo es cuando dice “. El autor es una figura moderna, donde solo importa el prestigio personal como resultado de la ideología capitalista.

Barthes   de este modo además busca a estudiosos para encontrar respuestas y el derrumbamiento del autor, menciona al poeta y crítico francés Mallarmé quien plantea  sustituir al propietario del lenguaje por el propio lenguaje, dado que es el lenguaje y no el autor el que habla, dice que el lenguaje es el que actúa , es decir suprimir la figura del autor en beneficio de la escritura y  a  Paul Valéry, un escritor y filósofo francés, el cual revindica la condición esencialmente verbal de la literatura ante cualquier recurso que garantice la interioridad del autor, ya que consideraba que este análisis al autor es más bien una superstición.

Tenemos dos creadores, al autor, y al escritor moderno. El autor considerado el pasado del libro, es el que lo nutre, el escritor moderno nace con el texto, está escrito eternamente aquí y ahora.

El yo de la escritura no tiene identidad, este texto tiene miles de focos, culturas. El escritor imita un gesto anterior, no es original, mezcla las escrituras, y actúa con un diccionario ya creado,

 

A veces deja de importar quién es el autor de un texto, y solo se valora su contenido.

Es el lenguaje el que habla, es el centro de la narración.

El autor es el artista que tiene el talento de dar valor a la escritura.

Un autor que escribe novelas, poemas, cuentos, son ideas plasmadas en un papel, deja de pertenecerle, ahí se muere el autor y pasa a ser de la cultura en general, de los lectores. Tampoco hay un lector absoluto, sino que cada cual tendrá una interpretación, por eso tiene que desaparecer el autor metafóricamente.

 

Antiguamente cuando se tenía un libro se buscaba el autor, su biografía, sus gustos en vez de centrarse en la obra en sí, ya que, si nos centramos en la persona del autor como el creador de la obra, no tendría sentido ya que la obra es un conjunto de citas.

 

 

 

El arte Moderno, Posmoderno y la muerte del arte.

El arte moderno comenzó en 1863 con la exposición del salón de los rechazados, donde estaban todos los que quedaban fuera de la academia. Los artistas se liberaron del juicio de la academia y su lema era “pinto lo que quiero, y como quiero”. De allí nació el impresionismo, donde se pintaba la naturaleza, su luminosidad, con unas cuantas pinceladas. Los cubistas descubrieron representar las formas, no como las vemos. El futurismo en cambio representaban el movimiento, la velocidad de la vida moderna. Los pintores abstractos consideraron no representar las cosas, ya que los colores y las manchas ya tienen una identidad representativa. Los dadaístas no iban a pintar más, ya que era antiguo, había que superarlo y cambiar. Los surrealistas pintaban lo que les salía del subconsciente, esperaban una inspiración para tener una idea. Con el minimalismo el arte moderno se acaba ya que no hay más que abstraer, ya que el mismo lienzo tendría que desaparecer. Todos éstos, dejó atrás todo el arte que era sometido por la academia y que los artistas estaban obligados a seguir patrones establecidos. La modernidad e innovación del arte moderno va relacionado con el capitalismo y su necesidad, para lidiar con la competencia y sacar ganancias. Un detalle importante fue la invención de la cámara fotográfica, que representaba fielmente la realidad, imitar a la naturaleza se volvió obsoleto y por tanto los artistas tenían que reinventarse.

A fines de los años sesenta apareció Andy Warhol, y el arte pop, un movimiento moderno, novedoso, que daría paso al arte posmoderno. El artista posmoderno es un bricolier en el sentido de escoger libremente de la tradición, combinando diferentes elementos en un estilo pastiche, a diferencia de un artista moderno que tiene un estilo único que plasma en una obra, y no solamente de la tradición, sino que también de la cultura popular y formas artísticas populares de la radio, cine, televisión y hasta los comics.

El arte moderno es oscuro e idiosincrásico, en cambio el arte posmoderno, se expresa en las formas más públicas y populares. De este último nacen el arte conceptual, el arte performance y el arte de instalación. El arte conceptual, considera que no es importante el estado anímico producido por el material usado, si no las ideas o conceptos, que los elementos de la obra suscitan.  El arte performance es un género en el que la distinción entre la obra y el espectador se borra, aquí la obra incluye al público. En el arte de instalación, la obra no está colgado, ni en un pedestal, sino que está en un espacio donde el espectador se encuentra rodeado por la obra y en los que los sentidos se involucran en la experiencia de la obra.

El arte acabo desapareciendo en su búsqueda por la originalidad. Según Arthur Danto, Wahol habría dado con la respuesta mostrando que lo que diferenciaba una obra de otra, el arte de la realidad es el significado, no la apariencia estética. Actualmente no hay teoría artística que diga que aspecto tiene que tener una obra de arte. Que la excelencia artística se mide por el valor de las ideas que tiene la obra y las actitudes que provoca que éstas expresen ideas, deseos, temores o criticas.